LÍNEA DE BASE

Esta muestra se llevó a cabo en agosto del corriente año (2018). Fue pensada para que coincidiera con la Feria del Libro de Comodoro Rivadavia que se ha convertido en el  acontecimiento cultural de la ciudad. Miles de personas la visitan durante los diez días que dura. Fue curada por Mónica Aleuy quién conoce la obra mejor que yo. Ella seleccionó los dibujos que la integran.
Se pensó en dibujos debido a que, salvo excepciones, siempre se los ha mostrado como parte de un conjunto mayor de obra. 

Pero el dibujo ha constituído una actividad que se ha mantenido a lo largo de toda la producción. A veces relacionada al conjunto de la obra pero mayormente como una actividad independiente. 

Hacerla implicó revisar carpetas y blogs
donde se guardan miles de dibujos que 
no han sido realizados pensando en la 
noción de obra terminada. Son como 
ensayos, intentos de mantener una actividad que a veces no sabe adonde va pero aún así
se realiza. 

Si bien el criterio de selección no fue histórico hay dibujos con muchos años de distancia entre ellos. El primero que se incorporó fue "El Beso" de 1987.

Se trata de una carbonilla sobre papel de 70 x 100 cm. realizada a la manera tradicional, tratando de hacer del trazo una marca de autor. La imagen surge de los ritmos que se van trazando y que adquieren unidad sobre el final de la obra.  Las sombras están realzadas con el uso de betún para zapatos de color azul cuando está mezclado con el carbón y rosa cuando se lo aplica como pincel seco. El trazo permite acentuar los ritmos y las tensiones de las dos figuras. La introducción de los dos círculos que componen las cabezas le dan una racionalidad al conjunto al introducir un elemento geométrico que contrasta con lo orgánico del resto de la obra. 

La obra entronca con la tradición del dibujo "argentino", una verdadera escuela en la que hay que recordar a Lajos Szalay a Spilimbergo y por supuesto a Carlos Alonso. Tradición de la que me siento deudor y entre cuyos seguidores me incluyo. Las exigencias éticas de esta corriente fueron un horizonte de la obra en todo su recorrido.






Tiovivo es una obra de 1992 realizada en
grafito y aguarrás sobre hardboard. Algunas
figuras están hechas sobre papel y luego
montadas sobre el tablero. Es un juego 
compositivo de tres figuras cuyas miradas
conflueyen en el espectador impidiendo
un punto fijo de contemplación. Así se 
procura dar dinamismo al conjunto. 
Este tipo de intentos parecen curiosos
hoy en día dada la extensión que tiene
la civilización de la imagen. 

Esta obra se llama el abrazo y es una de las que más me gustan. No tiene más ciencia que una pareja dibujada en un abrazo. Por detrás de la imagen se levanta una ola cuyas ondan se suman a las del dibujo de la pareja. La factura del pelo, especialmente del jopo del joven contribuye a separar la figura protagonista del fondo, pero la idea es que se fundan. Por detrás puede verse la palabra ABRAZO hecha con letras de golpe acuñando el contraste entre la palabra y el dibujo. Contraste con el que busco sacar la obra de la contemplación. Su lectura saca al espectador de la fascinación por la imagen.

Este díptico (conjunto de dos obras que forman una sola obra) me gustó especialmente. En la primera una figura femenina se interna en el mar. Una pregunta, anotada con lápiz dice: ¿Qué era el arte?

La segunda responde a esta pregunta. Aparece el mar otra vez pero una figura interrumpe la contemplación. Se trata de una figura ojival hecha con carbón. Otra vez las anotaciones en lápiz dicen: ¿Un gesto emergiendo de lo oscuro? ¿Una oscuridad vuelta gesto? ¿Una emergencia?. Esta combinación de texto, y anotado sin pretensiones artísticas, así, como una anotación, más un dibujo hecho conforme a la tradición me parece una vía interesante. Busco como salir de la relación congelada entre imágen y contemplación bella.

Esta es la obra más reciente de la muestra. Se trata de REMEROS, un conjunto variable de dibujos, hechos en papel de escenografía, y presentados "desnudos". Una manera de decir, presentados sin marco en una relación directa con el cuerpo del espectador. Pueden verse las marcas del trabajo, del transporte, las arrugas y pliegues y las cintas que los fijan a la pared. Las figuras son personas muy caracterizadas en posición de sostener unos remos que no se ven. Sólo se ve el esfuerzo que hacen. El conjunto tiene gran tensión y los pliegues permiten presentarla de variadas maneras. 

Dos figuras más de los REMEROS. La obra nació como respuesta  a una invitación a participar en una muestra dedicada a la inmigración que organizó el CFI, con curaduría de Facundo Maldonado en 2017. La muestra se llamó El Viaje y fue expuesta en la sede del CFI. 

Otras dos figuras. Hay unas catorce dibujadas y hasta ahora no se han presentado juntas. Y tal vez aumente la cantidad. 

Esta obra está compuesta por dos partes. Un dibujo en la parte inferior que muestra una imagen confusa mezcla de figuras geométricas, partes del cuerpo y objetos. El estilo es el típico de aquella corriente del dibujo que mencionaba más arriba. Esa escuela donde Carlos Alonso fue su punto más logrado. Ese modo de dibujar los  pies es algo que tomé de él. Pero lo que ya no puede esperarse es que una imagen "funcione" de la misma manera que entonces. Han pasado muchas cosas. De ellas da cuenta el epígrafe del cuadro superior que dice: "Cómo volver a dibujar despues de Alonso, después de Orleti, cómo plantar una figura, alzar la mano incluso" El párrafo permite mezclar cosas de diversos órdenes. Alonso y Orletti son dos apellidos, pero uno es el del artista y el otro el de uno de los campos de concentración de la dictadura. Plantar una figura era la manera de llamar en la jerga del dibujo, a la composición de la figura humana. Y el dibujo "a mano alzada" era una especie de virtuosismo. Todo ello mezclado en ese párrafo, lo que fué y lo que de ese pasado lo torna imborrable. 

Es otro de los dibujos en los que creo haber encontrado una dirección. Se trata de un dibujo sencillo, a lápiz, y una anotación al costado. La imagen muestra un cajón roto y la leyenda dice: "Cuando lo ví pensé de inmediato en un objeto encontrado. Pero me dí cuenta de que ya lo había hecho Iomi" Y más abajo concluye: "El arte es pensar de inmediato" Recursos del humos y citas de la historia del arte. Todas confluyendo a responder a esa pregunta que es la fundante del arte contemporáneo ¿Qué es el arte?

Un dibujo sencillo. Dos perros. Nada más ni mada menos. Cómo seguir dibujando cuando ya hay tantas imágenes. Cuando los procedimientos para producirlas se han sofisticado hasta confundirse con la realidad misma. Un perro es tan bueno como cualquier otra cosa. Una paloma por ejemplo. Se las encuentra por miles en las calles. Todas iguales, todas distintas. Es la misma razón por la que elegí las piedras o las ostras. 

Este es otro intento. Se trata de Performance, un dibujo que es en realidad un proyecto de una performance que nunca fue realizada. La imagen muestra una figura soplando un embudo al modo de un altavoz o una trompa. Sobre el suelo hay dispuestos muchos bidones de agua. Al lado de cada uno un pocito con el montoncito de tierra correspondiente

En la parte inferior la leyenda da las instrucciones para la performance. "Hay que ir allá. Cavar un pozo. Verter agua. Ver como se escurre. No perder las esperanzas. Materiales: bidones (muchos) Agua (la que se disponga) y esperanzas por supuesto" Otra vez la ironía puesta a trabajar con la licencia de la poesía. 

Las "Palomas" fueron presentadas en forma circular. Pensadas originalmente como un libro que no llegó a hacerse. Al igual que los perros son figuras que pueden repetirse hasta el cansancio. O mejor: hasta desentenderse del tema. 

Y dos últimas fotos para cerrar esta publicación. En una puede verse un conjunto de dibujos. Y en la otra un dibujo a color. El único que integra la muestra. Un pastel, que no es una técnica que frecuente. Otra vez una leyenda y unos jirones arrancados al papel dejan ver la fragilidad y la ausencia de unidad de la obra.